Quien se haya visto en una de éstas, tendrá muy claro que cuando uno se ve metido en ese ciclón de recapitular el año y extraer de ahí un listado moderadamente breve de las mejores obras de la temporada, la cosa puede llegar a niveles de absoluta locura. En Blisstopic, el año pasado ya fue extenuante llegar a dar con la mejor lista de cine posible, con nuestro curso vital recién inaugurado, y este año, la cosa no ha variado: mails, charlas, debate, paseos arriba y abajo, uñas en el parquet, exclamaciones, tirones de pelo, ojeras, dudas, miedos, ascos y pupilas inyectadas, hasta dar con lo mejor, de lo mejor lo superior, y así...
El proceso es sin duda doloroso. Como suele pasar, este año vuelve a asfixiarnos la diatriba entre escoger únicamente films estrenados en salas comerciales, o ampliar el plano y dar luz a obras que cada uno hemos visto como hemos podido, pero nos han marcado indeleblemente. En ese apartado, hay dos películas que merecerían todos los tronos, como son las inusuales "Under the skin" y "El futuro", pero que, de momento, no han sido estrenadas en nuestra salas.
Después quedan las menciones especiales, y entonces ya la lista se vuelve infinita. Nos sobran películas de circuitos mínimos y grandes reconocimientos, como "Locke", "Un castillo en Italia", "El desconocido del lago", "Historia de la meva mort", "Magical girl", "Post Tenebras Lux"; dos triunfadoras de Sitges como "Orígenes" y "Relatos salvajes", y otros títulos brillantes y heterogéneos como "20.000 días en la Tiera", "Dallas Buyers Club", "Open Windows", "La imagen perdida", "El último de los injustos", "Como entrenar a tu dragón 2", "Filth, el sucio", e incluso se ausentan grandes firmas como las de Lars Von Trier o los Coen, que quedan por poco fuera con "Nymphomaniac Vol. 2" y "A propósito de Lewyn Davies", cuando son autores que siempre acostumbran a quedar salvados de toda cosecha cinematográfica.
Pero finalmente, después de mucho debate y recuento lo que quedan son 20 títulos. Estas 20 películas que tienes aquí debajo, que constituyen una confluencia de gustos e ideas en torno al cine y, de paso, representan un espléndido muestrario de lo que ha dado de sí el cine desde la butaca.
Con las votaciones de:
Puedes ver los diferentes films de la lista haciendo click sobre los números de aquí abajo.
20
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20
Dos días, una noche
Luc y Jean-Pierre Dardenne
Bélgica, 2014
El optimismo nunca ha sido una seña de identidad del cine de los Dardenne. Pero parece que, poco a poco, la esperanza ha empezado a colarse en sus películas. Luc y Jean-Pierre Dardenne son herederos del Neorrealismo, ese cine que no sólo es una mirada al mundo, sino que también tiene un compromiso moral con esa realidad.
"Dos días, una noche" no solo es un canto a la solidaridad y al combate por la dignidad y el trabajo, sino también un espaldarazo a la fragilidad de las personas en una época donde el poder y el dinero, la competencia y la rivalidad parece que son lo único que vale. Como en toda su filmografía, los Dardenne toman partido por los más débiles, frágiles y vulnerables pero, aquí, no existen buenos ni malos. Ellos no juzgan a sus personajes. La protagonista, interpretada de manera soberbia por Marion Cotillard, busca el apoyo y el respaldo de sus compañeros, sin mendicidad y sabiendo que lo que pide es harto doloroso. Una lucha que emprende gracias a su marido, que le da la fuerza, el valor y el entusiasmo necesarios para creer que todavía puede recuperar su puesto. Y, de paso, recobrar la autoestima y el orgullo. Marta Armengou
19
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19
El Congreso
Ari Folman
Israel / Alemania / Polonia / Francia, 2013
El cine puede hacerte sentir muchas cosas. Puede hacerte reír, asustar, incomodar, llorar, reflexionar, emocionar. Y, en contadas ocasiones, puede conseguirlo todo. Cuando se produce esto, es una experiencia total. Y en "El Congreso", ocurre. En la secuencia capital, antológica, del escaneado digital de la actriz Robin Wright, a la media hora del film, se obra el milagro, el milagro de la actuación y de la magia del cine. En ella, Harvey Keitel, que es su agente cinematográfico, le explica cómo empezó en el negocio. Poco a poco, cuenta su historia, lo que causa diferentes reacciones en la actriz. Es entonces, cuando nos convertimos en testigos privilegiados de cada uno de los ademanes de la intérprete al seguir el relato, que hace alarde, no sólo de su extraordinaria capacidad gestual, sino de hasta qué punto es capaz de despojarse de sí misma y de exponerse de manera tan íntima ante todo el mundo.
Folman nos ofrece un ejercicio brillante que mezcla ciencia ficción, realidad, filosofía, drama y animación y que contiene infinidad de ideas para la reflexión como la rapidez con que cambia la tecnología, la creatividad, el control corporativo, el libre albedrío, la identidad, las adicciones, la tristeza, la soledad, el narcicismo, pero también consideraciones acerca de la naturaleza del oficio de los actores, el papel que las películas juegan en la vida de las personas, y más allá de todo, acerca de la existencia humana y el sentido de la vida. Se trata de uno de los ejercicios cinematográficos más libres, hipnóticos y poéticos que el cine ha dado en los últimos años. Por todo ello, "El Congreso" es una obra maestra que deja un poso imborrable en el alma del espectador porque, más allá de una película, es toda una experiencia compleja, magnética y fascinante. En fin, inolvidable. Marta Armengou
18
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18
Sólo los amantes sobreviven
Jim Jarmusch
EE.UU., 2013
Jim Jarmusch es uno de los más importantes exponentes del llamado cine independiente americano. A grandes rasgos, el suyo es un cine sobrio y minimalista, poblado por pocos personajes (generalmente interpretados por actores no demasiado conocidos) y poco habladores. A través de una cámara estática y planos largos, sin mucha acción física en el cuadro, sus historias tienen de telón de fondo una estética decadente y marginal. El principal nexo en común de todas ellas son los retratos de perdedores solitarios, hombres y mujeres desorientados, confundidos y que vagan por el mundo sin saber muy bien adónde ir. Son seres sin grandes esperanzas ni aspiraciones.
"Sólo los amantes sobreviven" es una película atípica. De eso, no cabe la menor duda. El film describe el reencuentro de dos amantes vampiros, Adam, un músico underground profundamente deprimido por la dirección que han tomado los actos de la Humanidad, y Eve, que deja Tánger para reunirse con su amado en Detroit. Su idilio ha prevalecido durante siglos, pero es interrumpido por la llegada de la hermana menor de ella. El guión se basa, en parte, en el último libro que publicó Mark Twain, "Los diarios de Adán y Eva", aunque no hay ninguna referencia directa más allá de los nombres de los personajes.
El duodécimo largometraje de Jarmusch confirma que no ve géneros imposibles de adaptar a su singular universo. Ahora es el turno del vampirismo. Pero si creíais que ya lo habíais visto todo sobre vampiros estabais equivocados. Tom Huddleston y Tilda Swinton son dos individuos desencantados con el presente: él, parece un Syd Barrett moderno, siempre rodeado de guitarras eléctricas y tecnología vintage. Ella, viste con botas y sombreros de cowboy, y chaquetas blancas con vaqueros pitillo a juego. Una mezcla entre lo dandi y lo bohemio.
"Sólo los amantes sobreviven" es un romance gótico de tintes metafísicos, una película fuera de los cánones de las grandes producciones hollywoodienses, con personajes alejados de los estereotipos y con una concepción del cine muy libre y especial. Y esas son sus mejores virtudes. Las mismas que han definido la carrera del gran Jarmusch. Marta Armengou
17
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17
Adiós al lenguaje
Jean-Luc Godard
Francia, 2014
Que el último film de GODard no haya conseguido estrenarse en 3D, tal y como se vio en Cannes, dice mucho de la dimensión cultural de nuestro país: microscópica. Dejando de lado el ingenioso e inesperado uso que el bricoleur suizo hace del 3D, lo que tenemos es un videoensayo muy en la línea de lo que nos viene ofreciendo desde sus "Histoire(s) du cinéma": Intertextualidad, citas y proclamas.
Carteles, y los retales de una trama ultraleve sobre una pareja que se junta y se separa, un perro escuálido y algunos chistes escatológicos. Abstracta, de difícil acercamiento, nunca deja de ser un espectáculo fascinante e hipnótico, que también, maldita sea, tiene sabor a despedida, ya que si para Godard el cine es el lenguaje, para nosotros el cine es Godard. Philipp Engel
16
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16
El viento se levanta
Hayao Miyazaki
Japón, 2013
El legendario director de animación japonés Hayao Miyazaki, creador del mítico Studio Ghibli, anunció su retirada del cine durante la presentación de "El viento se levanta" en la pasada Mostra de Venecia. De esta manera, la película adquiere una doble dimensión, no sólo por tratarse de la última, sino porque significa la culminación de un recorrido y el adiós de uno de los últimos grandes maestros de la animación tradicional.
El título viene de una novela del mismo nombre escrita por Tatsuo Hori. Hori tomó un verso del poeta francés Paul Valéry, "Le vent se lève, il faut tantrer de vivre" (“El viento se levanta. Debemos intentar vivir”). La película combina, precisamente, la vida del escritor Tatsuo Hori con la de Jirô Horikoshi, ingeniero de aviación que diseñó los modernos caza A6M con los que Japón bombardeó Pearl Harbor, dos personas reales de la misma época, que convierte en una sola persona, "Jirô", el personaje central.
"El viento se levanta" es su proyecto más personal y el más autobiográfico (su padre y su tío dirigían una fábrica que producía timones para aviones). Sin embargo, aquí, esta atracción por la navegación aérea se viste de realismo. Y es que estamos ante la película menos fantástica y más adulta de la trayectoria del maestro japonés.
La película tiene una estética deslumbrante, una delicadeza poética abrumadora y un tono romántico, marcado por la fatalidad, que hace estremecer. Más, si cabe, sabiendo que es la postrera obra del artista que, como el protagonista, se ha entregado en cuerpo y alma a su profesión. Parece ser que el nivel de autoexigencia y perfeccionismo con el que abordaba sus producciones era tan elevado que había comenzado a erosionar sus relaciones familiares. Los que hemos disfrutado con su cine, lo echaremos de menos. Ésta es su última película y, aunque es hermosa, también es dolorosa porque sabemos que es su despedida. Eso sí, un adiós por todo lo alto. El vuelo de Miyazaki ha sido glorioso y, mientras él toca el cielo, el resto del mundo debemos intentar vivir. Marta Armengou
15
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15
Lego, la película
Phil Lord y Chris Miller
EE UU, 2014
Los directores de las dos partes de la muy recomendable "Lluvia de Albóndigas" y las muy olvidables "Infiltrado en clase" e "Infiltrados en la universidad" (o Jonah Hill con 120 kilos menos) se hicieron cargo de la primera película para cine de Lego (tras varias producciones para la pequeña pantalla y vídeo-juegos) y el resultado no podía ser más sobresaliente.
Los animadores de CGI tuvieron que aprender anatomía de nuevo: los muñecos de Lego son muñecos de Lego (olvídense de articulaciones, ningún movimiento de tobillos, rodillas, codos y muñecas), sólo las caras expresan emociones. Y aún así, la película es un prodigio de imaginación y técnica. Una historia divertidísima que también trata esa eterna discusión sobre si los juguetes son para jugar o objetos de coleccionista. Chis Pratt interpreta a los dos perdedores del año: Star-Lord en "Guardianes de la Galaxia" y este 'especial" Emmet Brickowoski, el muñeco de Lego que salvará el mundo (y una relación paternal). Manu González
14
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14
El amanecer del Planeta de los Simios
Matt Reeves
EE.UU, 2014
La nueva franquicia simiesca rectificó a tiempo la peligrosa ruta que había tomado su primera entrega, que sin desmerecerla del todo sí que emborronó notablemente la trama. La inclinación por el romance edulcorado pasa a mejor vida en una segunda parte que mejora en eso como en todo lo demás, de la historia hasta los efectos especiales, mucho más vistosos.
"El amanecer del planeta de los simios" parte desde la práctica extinción de la civilización humana, de la que sólo quedan reductos, y la expansión del que más tarde será el planeta de los simios. En este segundo episodio los enfrentamientos entre ambas especies se tornan más amargos por globales, ahondando además en un discurso político y psicológico que a pesar de entrar como el agua tienen una graduación mucho más alta que la inmensa mayoría de films made in hollywoodiense. Tariq Porter
13
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13
Mommy
Xavier Dolan
Canada, 2014
Que nos digan que Xavier Dolan es el nuevo niño prodigio del cine canadiense ya no es ninguna novedad. Yo añadiría que lo es también del mundo entero. Debutó con 19 años y a los 25 ya ha ganado el Premio Especial del Jurado del Festival de Cannes 2014, 'ex aequo' con toda una leyenda del cine, el director francés Jean-Luc Godard. A Dolan parece que lo amas o lo odias. No hay término medio. Probablemente, ni sus más fervorosos oponentes pueden negar sentir cierta envidia de este actor, director, guionista, productor y montador que, en ocasiones, también se encarga de la concepción del vestuario, entre otras cosas.
"Mommy" es un retrato angustiante, desbocado y magnético sobre la recuperación del amor materno y la búsqueda de un espacio de libertad con el que Dolan sigue demostrado un estilo muy personal. Un cineasta precoz con talento, ganas y capacidad de comerse el mundo. ¿Arrogante? ¿Narcisista? Probablemente tan egocéntrico como el mismo Godard, otro autor con voz propia, con el que compartió el prestigioso ese premio del Jurado en Cannes. Quizá sea una señal porque Xavier Dolan también va camino de convertirse en uno de los grandes. No tengo ninguna duda. Marta Armengou
12
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12
Her
Spike Jonze
EE.UU., 2013
Hay películas que marcan. Y hay películas que marcan una época. En el caso del "Her" es ambas cosas. El polifacético Spike Jonze escribe, dirige y produce una obra destinada a perdurar en el tiempo. La cuarta película del cineasta norteamericano cuenta como un hombre deprimido por su reciente ruptura sentimental se acaba enamorando de un nuevo y revolucionario sistema operativo.
Jonze parte de una premisa de ciencia ficción para hablar de la soledad, del amor y el desamor en una historia tan real como la de cualquier otra relación humana. A pesar de ser futurista, no puede ser más actual y, a pesar de mostrar un escenario fantástico, no puede definir mejor una era, la que nos ha tocado vivir. Marta Armengou
11
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11
Guardianes de la Galaxia
James Gunn
EE.UU., 2014
La aventura perfecta. A riesgo de sonar demasiado entusiasta, no tengo otra manera de definir el último opus de James Gunn, esponsable de la divertida “Slither” y de “Super”. No tengo otra manera, digo, porque mi yo de 10 años no me lo permite. Por espacio de los 121 minutos que dura la película, regresé por completo a tan temprana edad, viví absolutamente inmerso en las peripecias de está peculiar banda de forajidos galácticos, surgidos de las viñetas de una colección Marvel. El mundo exterior, puf, desapareció por completo.
Star-Lord, Gamora, Drax, Groot y Rocket Racoon me llevaron de regreso a ese mundo fantástico de ciencia ficción y aventuras, ese mundo personal construido a partir de pilares tan emblemáticos como son “Star Wars” e “Indiana Jones”. Rodolfo Santullo
10
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10
Jauja
Lisandro Alonso
Argentina, Dinamarca, Francia, 2014
Es un poco como si el Bresson de "Lancelot du Lac" adaptara al Ford de "Centauros del desierto" a partir del Conrad de "El corazón de las tinieblas". Rodada en el formato casi cuadrado del silente, sus personajes posan como estatuas de antaño y declaman teatralmente en planos milimétricos y llenos de color firmados por el finlandés Timo Salminen, habitual de Kaurismaki.
Viggo Mortensen, como el oficial que se adentra en el territorio salvaje de la Patagonia en busca de su hija, se emplea a fondo, como nunca antes. Y a partir de un texto del escritor bonsái Fabián Casas, Lisandro Alonso, el más aclamado realizador del llamado Nuevo Cine Argentino, entrega su más indiscutible obra maestra. Un viaje alucinante al final del cual, si no hemos penetrado en el desierto, el desierto sí se nos ha metido dentro. Philipp Engel
9
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09
Snowpiercer (Rompenieves)
Joon-ho Bong
Corea del Sur, Francia, EE.UU., 2013
Joon-ho Bong, director de “The Host”, convierte el universo de la novela gráfica de Jean-Marc Rochette y Jacques Loeb en una de las películas más fascinantes que ha dado la ciencia-ficción en mucho tiempo.
Construida casi como un videojuego en el que hay que avanzar de vagón en vagón (desde la cola donde se agolpan los desgraciados hasta la zona delantera donde viven los privilegiados), este tren, en el que viajan los últimos supervivientes de una Tierra congelada, es un feroz reflejo de la voracidad humana. Un espectáculo cruel y fascinante con escenas realmente perturbadoras. Sandra S. Lopera
8
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08
Nebraska
Alexander Payne
EE.UU. 2013
"Nebraska" es un viaje de reencuentro, de tono crepuscular, sobre la comprensión y el perdón. Un relato de carácter universal, que Payne maneja con sutileza y contención, y que sirve para intentar comprender a aquellos que tenemos alrededor. Es todo tan auténtico, que cala hondo. Su cine está alejado de las modas pero es tan bueno que, difícilmente, pasará de moda.
El cineasta sigue creciendo y consigue la que es, hasta ahora, su mejor obra, confirmándolo de nuevo como uno de los grandes cineastas norteamericanos contemporáneos."Nebraska" es otra gran película, divertida y conmovedora, en la que Payne vuelve a demostrar que es capaz de transformar lo ordinario en extraordinario. Marta Armengou
7
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07
La Isla Mínima
Alberto Rodríguez
España, 2014
Alberto Rodríguez deslumbraba primero en San Sebastián y luego en las salas de cine con su última película, grata confirmación de su talento y consistencia como realizador. Si "Grupo 7" fue una inesperada demostración de ello, "La isla mínima" corrobora la capacidad del cine español para rodar films policíacos y thriller de la mejor calidad si está en las manos adecuadas.
Una fotografía excelente –prodigiosa, en el prólogo– y una trama tan cruenta como sólida, inteligente y osada en tanto que crítica retroactiva a la sociedad española, hacen de La isla mínima uno de los filmes más incontestables del año, de difícil rebatir en cualquiera de sus facetas. Entre ellas está, también, un elenco de lujo que funciona con precisión suiza en el engranaje de Rodríguez, mención especial a un Javier Gutiérrez terriblemente creíble. Tariq Porter
6
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06
Perdida
David Fincher
Estados Unidos, 2014
David Fincher regresa al thriller adaptando, esta vez, la novela homónima de la escritora y periodista americana Gillian Flynn (también guionista del film) que parte de una trama criminal para hacer una corrosiva y demoledora disección del matrimonio.
La película atrapa, pese a los 147 minutos. Pocas veces un thriller se había convertido en un instrumento tan preciso para hablar tan abiertamente y sin pudor del amor, la muerte, la honestidad, el poder, el narcicismo, el compromiso y las relaciones conyugales, aunque todo esto sea llevado al extremo de lo improbable. ‘Perdida’ es perversa, inquietante y extrema. Te sacude, te desafía, te descoloca. "Perdida" es divertida y horrible a la vez pero, por encima de todo, es una auténtica lección magistral. Marta Armengou
5
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05
Interstellar
Christopher Nolan
EE.UU. 2014
Cada vez es más difícil, para un director como Nolan, satisfacer un público que a pesar de disfrutar como enano de cada una de sus entregas cinematográficas empieza a conocer sus trucos y sus tics como cineasta. Quizás por eso "Interstellar" es un logro doble: consigue volver a congregar espectadores y crítica, que de nuevo aprueban por unanimidad su trabajo, sin renunciar a su identidad como genio y figura del séptimo arte, hablando en siempre en un lenguaje tan grandilocuente como autoexigente que desemboca, siempre hasta ahora, en cúspides de la tecnología en imagen y sonido en consonancia con argumentos entretenidos e interesantes.
"Interstellar" es, de hecho, la continuación perfecta de "Origen", una catedralicia producción que indaga en los límites del conocimiento humano con harta maña y un control perfecto de los mecanismos cinematográficos para el blockbuster de calidad. Tariq Porter
4
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04
Enemy
Denis Villeneuve
Canada / España, 2013
En "El hombre duplicado", Saramago imaginó un hombre a quien el azar conduce hasta otro que es su réplica exacta, una copia hecha a su imagen y semejanza. Su doble. Su Doppelgänger.Doppelgänger es el vocablo alemán para definir el doble fantasmagórico de una persona viva. El término se utiliza para designar a cualquier doble de un sujeto y, a menudo, es representado como un "gemelo malvado" y simboliza aspectos ocultos o reprimidos de la personalidad del protagonista.
El director de “Incendies” y “Prisioneros” repite con Jake Gyllenhaal que interpreta a los dos hombres físicamente iguales, pero con temperamentos distintos (el actor está impecable en su doble rol), lo que hace pensar inevitablemente en “El doctor Jekyll y el señor Hyde”, otra referencia literaria. El concepto del otro, la alteridad como idea metafísica, es un punto de partida estimulante y, a la vez, aterrador con el que Villeneuve traza una especie de laberinto por los siniestros mecanismos de la mente humana. Marta Armengou
3
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03
El lobo de Wall Street
Martin Scorsese
EE.UU., 2013
"El lobo de Wall Street" es el largometraje número 23 del italoamericano y respira Scorsese por todos los poros. Encontramos los elementos característicos del cineasta neoyorquino: narración en voz en off, frases dichas mirando a cámara, imágenes congeladas, la combinación flashbacks y flashforwards, el admirable uso de la cámara casi siempre en perpetuo movimiento, numerosos primeros planos y acercamientos, el minucioso empleo de los espacios dotados de vida y profundidad, un montaje vertiginoso y elegante, una banda sonora llena de temas de rock... Y, para rematar todo esto cuenta, en esta ocasión, con la espléndida fotografía del mejicano Rodrigo Prieto, el mismo de "Argo" y conocido por su trabajo con Alejandro González Iñárritu.
Scorsese ha podido diseccionar el lado más sórdido y desmadrado del Wall Street de los 90 y reconstruir el biopicJordan Belfort está ahora en libertad y cuenta con un cameo en la última escena de la película. Puede que sea otra historia de grandeza y decadencia, sobre el poder de seducción del mal y los peligros de la codicia y avaricia ¿Y qué más da? Es puro Scorsese y derrocha talento por todos lados.
"El lobo de Wall Street" es su película más loca y cómica, extravagante y desenfrenada como los personajes que representa, adrenalínica y cínica, pero también pero también oportunísima. Tres horas de festín casi operístico con momentos antológicos, algo desmedido y reiterativo, pero absolutamente irresistible. Un colocón cinematográfico de proporciones épicas. Marta Armengou
2
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02
El Gran Hotel Budapest
Wes Anderson
Estados Unidos / Alemania, 2014
“¿Cómo lo habría hecho Lubitsch?”, se preguntaba Billy Wilder antes de rodar una escena. ¿Qué habría hecho el maestro de la comedia? Esa es la cuestión. Probablemente, la misma duda que han tenido muchos cineastas a la hora de emular “El maestro de los maestros”, como lo definía Orson Welles. El director estadounidense de origen alemán, modelo de la denominada comedia sofisticada, inmortalizó lo que los historiadores y críticos de cine han definido como “el toque Lubitsch” y que ha servido para describir su estilo. Algo así como una mezcla de sutileza, ingenio, encanto, elegancia e ironía en la que, bajo una apariencia de ligereza, se esconde un elaborado y profundo guión.
Ernst Lubitsch es uno de los directores favoritos de Wes Anderson. Y se nota que el tejano tuvo en mente su filmografía mientras rodaba "El Gran Hotel Budapest". A pesar de haberse inspirado en el libro "La piedad peligrosa (o la impaciencia del corazón)" del escritor Stefan Zweig, su mayor influencia parece ser el cine de Hollywood sobre Europa del Este de Hitchcock, Ophüls y, naturalmente, Lubitsch. Anderson también ha sabido aunar con pericia lo dramático con lo cómico, lo denso con lo ligero, lo trascendente con lo naíf. Un juego de contradicciones exquisito y atemporal.
"El Gran Hotel Budapest" narra las aventuras del conserje de un famoso hotel europeo del período de entreguerras, y de un botones que se convierte en su amigo más leal. La cinta incluye el robo y recuperación de una pintura renacentista de incalculable valor, una frenética batalla por una inmensa fortuna familiar y una historia de amor. Como telón de fondo, un continente que está sufriendo una rápida y drástica transformación.
Anderson es un director fiel a sí mismo y a su singular estilo. En su octavo largometraje vuelve a crear un microcosmos, donde encierra otra vez a sus protagonistas, como ya hiciera antes en una academia, una casa, un submarino, un tren, una madriguera y un campamento de verano. Ahora, lo hace en un hotel de lujo. Por distintas razones, sus personajes acaban escapándose para emprender un viaje de autoaprendizaje. Monsieur Gustave H. (un magnífico, extravagante y seductor Ralph Fiennes) se convierte en el eje central del relato, cómo fue antes Max Fisher (Jason Schwartzman), Royal Tenenbaum (Gene Hackman), Steve Zissou (Bill Murray) o Fox (George Clooney).
El guión de Anderson (basado en una historia concebida con Hugo Guinness) pone en marcha un mecanismo de relojería que, mediante una estructura de muñecas rusas (un cuento dentro de otro cuento dentro de otro cuento), nos lleva hasta tres momentos históricos distintos, cada uno con su propio narrador, y con distintas relaciones de aspecto de pantalla según la época retratada, utilizando un formato panorámico con lente anamórfica para los años 60; cambiando luego a un formato de pantalla más cuadrado, de 1.37:1, para los años 30, típico de esa época; y pasando al formato de proyección 1.85:1 para las escenas más próximas al tiempo actual.
Anderson tiene una manera de ver el mundo que es única en su especie. En esta ocasión, ha creado una zona de la Europa oriental totalmente imaginaria, conocida como la República de Zubrowka. Y, en el centro, ha colocado un magnífico hotel de color pastel. Para ello, ha mezclado localizaciones originales con decorados, maquetas, miniaturas e incluso animación stop-motion. "El Gran Hotel Budapest" es su última filigrana. El carácter meticuloso, puntilloso y obsesivo de Anderson queda patente en detalles como los periódicos que aparecen, que fueron escritos e impresos para la ocasión, o la creación de un perfume especial para el personaje principal. Pero bajo una aparente frivolidad y cierto artificio, se esconden sentimientos puros y genuinos.
Hay una serie de factores muy reconocibles que contribuyen a identificar una película de Anderson: la precisión técnica de los encuadres y su inclinación por el uso del travelling, los zooms, los barridos o los planos realizados con grúa; el amor por la simetría (perfeccionista al extremo de Stanley Kubrick); una paleta de colores cálidos y terrosos (que parece pasada por un filtro de Instagram); la fetichización de determinada ropa y accesorios (a poder ser vintage); una tendencia al barroquismo ornamental; contar con un grupo regular de intérpretes; el tema de la familia (que suele ser disfuncional) como el centro de todas las historias y fuente de conflictos; una nostalgia por el pasado (muchas veces idealizado); una profunda sensación de melancolía, y la división de la narración mediante títulos como si fueran capítulos de una novela. Todo esto define y representa la esencia del cine de Wes Anderson.
"El Gran Hotel Budapest" es la película más 'andersoniana' que Wes Anderson ha hecho nunca. Estamos frente a su película más ambiciosa, más compleja y más delirante. El resultado es una evocación vibrante e imaginativa de una época pasada, una comedia de aventuras juguetona, alocada, absurda, con persecuciones, robos y fugas de espíritu casi vodevilesco, pero sin olvidar ese trasfondo trágico que representa la llegada del Nazismo. Billy Wilder afirmaba que, durante muchos años, en Hollywood, intentaron encontrar el secreto del “toque Lubitsch” y todos le imitaron, sin llegar nunca a conseguirlo. El “toque mágico” sigue influenciando las obras de muchos cineastas. También la de Anderson. Pero, a estas alturas, yo creo que ya podemos hablar del “toque Anderson”, que también es único e inimitable. Marta Armengou
1
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01
Boyhood (Momentos de una vida)
Richard Linklater
EE.UU., 2014
En la última edición del Festival de Berlín se pudo ver, después de su estreno mundial en Sundance, este proyecto tan arriesgado, como monumental. “Boyhood”, se tuvo que conformar con el Oso de Plata a la mejor dirección por Richard Linklater. A pesar de no ganar el Oso de Oro, la última película del cineasta norteamericano no sólo es su mejor obra, parece la obra total.
“Boyhood” está rodada durante cortos periodos comprendidos entre 2002 y 2013 y es, precisamente esto, lo que la convierte en una gesta totalmente innovadora, al menos en el terreno de la ficción cinematográfica. La película plasma en la pantalla doce años de la vida de una familia, pero la historia se centra, principalmente, en Mason, el hijo pequeño de un matrimonio de padres divorciados, haciendo un recorrido emocional y trascendental, desde la niñez a la madurez, desde que empieza la escuela hasta que entra en la Universidad.
Linklater captura los pequeños momentos y las pequeñas conversaciones del día a día de Mason, que son las que acaban conformando la experiencia y forjando la personalidad del protagonista y la de los miembros de su familia. Y, siempre, mostrando el paso del tiempo, y sus cambios inevitables, a través de viñetas naturalistas pero rehuyendo el drama, el sentimentalismo y el dogmatismo. El resultado es sorpresivo, puesto que cada acontecimiento desemboca en otro de manera fluida y sin estridencias, uniéndose en una profunda, abrumadora y sentida experiencia. Y es la suma de estos instantes, aparentemente normales, casi banales, los que dan forma a la película. Y a una vida. Es el paso del tiempo plasmado en imágenes. Si uno de los objetivos del cine ha sido siempre la posibilidad de capturar el inevitable paso del tiempo, Linklater no sólo logra este reto tan difícil de ver crecer ante la cámara, sino de convertir lo efímero en inmortal.
La trilogía de "Antes del amanecer" exploraba el paso del tiempo en la vida cotidiana de una misma pareja en tres etapas diferentes de su vida. “Boyhood” va más allá porque alcanza todo un periodo y enseña más directamente como nos modela el tiempo de forma lenta y gradual. El director ha conseguido captar la experiencia del tránsito de la infancia a la adolescencia de la manera más auténtica, realista e íntima posible y, además, retratar también la América de la clase media. “Boyhood” dura 165 minutos, pero podría durar el doble. Espero que, cómo ha ido haciendo con Jesse y Celine, retome los personajes de este experimento sin precedentes que seguro que sentará un precedente. Estamos ante un fresco impresionista apabullante, colosal. Marta Armengou
Redacción
El equipo de redacción de Blisstopic. Somos gente mala y peligrosa, pero queremos un mundo mejor, una blisstopía.
